Cuando decides ser arquitecto no sabes exactamente a lo que te enfrentas. Lo vas descubriendo poco a poco pero cada día es más fascinante. Fundé Ramón Esteve Estudio hace 25 años. Tenía muchas ganas de hacer cosas y a referentes como Wright, Le Corbusier o Mies como modelo. Pensé que mi vida tenía que ser tan emocionante como las suyas y me lancé a la aventura. Empecé haciendo proyectos de pequeña envergadura pero siempre abordándolos con la misma pasión, involucrándome en los procesos de fabricación y resolviendo hasta el último detalle para que los espacios transmitiesen algo. Recuerdo aquellos años con mucho cariño. El máximo retorno fue y siempre será, la felicidad de las personas que habitan los espacios que construimos.

Me siento muy cómodo con la arquitectura residencial. Me resulta muy interesante poder expresar a través de ella mi forma de ver la vida. Además, se establece una relación personal con el cliente y surge la posibilidad de generar universos únicos y personalizados. De alguna forma creamos escenarios que emocionan y que conectan con la vida de aquellas personas que los habitan. Como arquitecto siempre he buscado crear lugares con alma. En las viviendas el reto es conseguir que cada proyecto tenga su propio carácter. Me enfrento a los proyectos buscando unas constantes que le den continuidad, huyendo de un código de estilo.

–

En nuestro día a día nos aseguramos de hacer de nuestra idea clave, Lugares donde apetece vivir, una realidad. Hablamos mucho y compartimos ideas entre nosotros con el fin de alcanzar una visión global de los proyectos. Por otro lado, siempre se ha dicho que mi arquitectura tiene un fuerte carácter mediterráneo, cosa que me encanta. Es una fuente de inspiración. Para mí el Mediterráneo es la referencia constante de una cultura milenaria.

No sigo un patrón establecido o una especie de código de estilo. Intento que cada proyecto sea una obra única que dependa de la combinación de factores propios, relativos a mis inquietudes, a la línea de investigación que lleve en ese momento y a factores externos como pueden ser el lugar, la cultura o los clientes. Por supuesto mi arquitectura es contemporánea, pero más que de estilo o etiquetas yo hablaría de conceptos y sistemas. Tiene que ver más con una actitud que una formulación repetitiva y reconocible a simple vista. Cada proyecto es un nuevo reto creativo.

Los futuros clientes suelen acudir al estudio por relación directa con gente con la que ya hemos trabajado o bien porque han visto nuestros proyectos en la web, en publicaciones de prensa, etc. En el estudio cuidamos tanto el proceso como el resultado, volcándonos en los detalles y el desarrollo completo de una idea, desde el minuto uno hasta su materialización. Además, en la mayoría de los casos, se establece una relación muy próxima con el cliente. Siempre comienzo mis proyectos rayando todo lo que tengo a mi alrededor, normalmente en los lugares y momentos menos apropiados. El proceso suele ser, tanto en arquitectura como en diseño, mediante esos croquis a mano alzada, utilizando lápices de color o acuarelas. Posteriormente, cuando tengo una idea potente, comienzo a dimensionarla y sigo imprimiendo y corrigiendo a mano sobre los planos. Así han nacido la mayor parte de nuestros proyectos, tanto las obras de gran envergadura, como las viviendas unifamiliares, como Casa Sardinera.

Estoy muy satisfecho de todos mis proyectos y en todos pongo la misma ilusión. Los edificios públicos de gran escala como los hospitales, bibliotecas o centros de investigación han sido retos muy motivadores. Pero es cierto que los proyectos con los que más conecto son con los de pequeña escala, como las viviendas residenciales o el diseño de producto.

Podríamos decir que fue uno de nuestros primeros proyectos de diseño gráfico y de presentación de producto. Un trabajo muy interesante que llegó de la mano de uno de nuestros clientes y que de algún modo nos sirvió de inmersión en el mundo del packaging y de tanteo para futuros trabajos. Desde el principio se buscó una imagen moderna y depurada pero que conectara con la idea de un producto tradicional. Toda la imagen gráfica crece alrededor de esa idea.

No tengo ninguna metodología, nunca empiezo una obra de la misma manera. Voy trabajando en las cuestiones dimensionales y prácticas hasta que encuentro un elemento que pueda generar una idea, una ley o un orden que le de carácter y enlace todos los elementos que conforman el proyecto. Mi objetivo es buscar su alma. Cuando eso sucede, cobra vida propia, me marca sus leyes y yo me dedico a seguirlas. Entonces ya tengo una obra.

–

El futuro de la arquitectura es, sin duda, apasionante. La búsqueda de la innovación y la aplicación de las nuevas tecnologías favorecen la proliferación de nuevos proyectos interesantísimos. Hasta las propuestas más continuistas van evolucionando gracias a las nuevas tecnologías. Estoy seguro de que dispositivos como la impresora 3D van a revolucionar los estudios y su forma de trabajar.

–

Afortunadamente, el Estudio sigue creciendo tanto a nivel profesional como personal. Podemos presumir de un equipo humano cada vez más grande y retos más ambiciosos. La intención es seguir ese mismo camino, en continua búsqueda de la excelencia y con la vista puesta más allá de nuestras fronteras. En mi opinión, la sociedad demanda cada vez más el diseño y la arquitectura moderna, el entorno natural ha madurado y nos encontramos una mayor acogida del lenguaje contemporáneo.

Sólo cojo proyectos que me resulten realmente estimulantes. En el campo del diseño hemos desarrollado nuestra primera colección para la marca italiana Talenti y estamos desarrollando varias piezas de mobiliario para Vondom, además de llevar la dirección artística de la firma. Sin ir muy lejos, en diciembre presentaremos el nuevo showroom de la marca en Miami. En lo referente a la arquitectura, tenemos entre manos un edificio de oficinas, un hospital, un restaurante y varios proyectos más que nos hacen especial ilusión y que pronto podremos anunciar. Y por supuesto, seguimos trabajando en las viviendas unifamiliares, ampliando horizontes tanto geográficos como creativos.

Actualmente estoy en Miami pero siempre me encuentro en movimiento, viajar es una de las cosas más importantes para mí, comprender y analizar otras culturas y otros lugares del mundo es parte de mi inspiración. Por ejemplo, cuando viví en Asia sentí cómo mi obra evolucionó, y hoy día adapto muchas de las cosas que aprendí allí. Es difícil para mí encontrar un lugar donde quedarme. Me fascina la energía de New York, por ejemplo, pero también me encanta la tranquilidad de otros lugares donde la naturaleza es la protagonista. Al final todo forma parte e influye en la creación de mi obra, cada viaje es un nuevo color. Intento estar conectado a España pero de una manera personal, por la familia. Además, este año estoy preparando mi exposición en el Museo de Lucca en Italia y eso propiciará que pase también más tiempo en Europa y pueda estar más en España.

Todo comienza de una forma natural cuando empecé a pintar al óleo a los 7 años, y realicé mi primera muestra con 9 años, aunque nunca continué mi formación ni estudios. El arte siempre ha estado presente, en cada trabajo que llevé a cabo como carpintería, pintura de muebles o incluso instalación de rótulos, trabajos que fui haciendo cuando era adolescente. Todo esto fue parte de mi escuela y aprendizaje. Estar rodeado de artesanos y estar en contacto con materiales y herramientas que hoy forman parte de mi obra. En el aspecto conceptual siempre he tenido mucha curiosidad por todo lo que me rodea y esa fue mi universidad: aprender de las personas y todo lo que tenía a mi alrededor, museos, conversaciones con amigos, libros de arte, noticias, etc. Todo eso se refleja en mi obra. Todo lo que soy está en mi trabajo; todas mis obras, de una manera u otra, son un trocito de mí y de lo que he aprendido.

Los críticos dicen que mi recorrido entre la pintura, la escultura, la fotografía y el Performance Art es una inspiración entre el pop art, el post-minimalismo y el arte conceptual. Es interesante ver cómo describen mi obra, ya que es una parte de lo que soy y lo que veo, la interpretación de lo que me rodea y lo que quiero expresar de una forma contemporánea. Me siento identificado con Maurizio Cattelan, Urs Fischer y Mark Jenkins porque trabajan en un lenguaje actual. Existe un movimiento del cual forman parte artistas como los que nombro; siento que me encuentro en ese movimiento porque compartimos la visión y la manera de lanzar mensajes a la sociedad, donde no hay límites en la técnica ni en los materiales que se utilizan, donde lo importante es mover a la sociedad desde dentro y hacer reflexionar sobre lo que ocurre en el mundo.

–

Es difícil elegir la favorita porque cada obra es una parte de mí. Es la historia de lo que me rodea y los mensajes que quiero lanzar al mundo. Es como si tuviera que elegir una sola página de un libro, pero tengo una colección personal de obras que no muestro, que son solo mías y quedan para mí, y estas son especiales. Mi estudio es ese lugar donde todo se para y estoy yo sólo con la pintura. Toda la energía que surge en esos momentos y el hecho de ver cómo una idea que estaba en mi mente se hace realidad a través del arte es lo que me apasiona. Después, ver la reacción de las personas frente a mis obras es otra de las cosas que no cambiaría por nada.

Me gusta experimentar mucho con los materiales porque lo más importante para mí es el mensaje que quiero lanzar, y muchas veces los materiales se adaptan al concepto. Es la combinación de diferentes materiales lo que lo hace único. Por ejemplo, el collage con óleo o el papel sobre madera con luces de neón. Cada idea y cada mensaje conecta con materiales diferentes y siempre me gusta probar nuevas técnicas, para que las posibilidades sean infinitas.

El concepto de Blindness comenzó hace diez años, observando la sociedad y analizando todo alrededor. Utilizando la moda para lanzar un mensaje, la sociedad se fija en el exterior olvidando así lo que realmente eres, lo que sientes y los verdaderos valores de las personas. Así, a modo de reivindicación, tapo los ojos de las modelos, la ventana hacia nuestro interior. Consigo que la gente se pregunte el por qué y de ahí, creo una reflexión alrededor de nuestra sociedad, que parece cegada por muchas cosas, que cada día se aleja más del sentir y de la importancia más fundamental de las personas. Todas las modelos con las que trabajo comprenden el concepto y entienden que lo importante de la colaboración es el mensaje que quiero mandar. Vivimos en una sociedad que sólo sigue las cosas bellas, yo utilizo la belleza como un juego para esconder mensajes fuertes y mover a la sociedad por dentro. En cuanto al uso de neón, nace analizando el mundo de la publicidad y de cómo ese fue el primer elemento donde la tecnología, en este caso la luz, es utilizada para enviar mensajes de consumo a la sociedad. De ahí nace parte del concepto de Blindness: a partir de la luz.

Mi palabra para definir esta colección sería ‘sociedad’. Esta idea nació observando la adoración que tiene la sociedad hacia los elementos del lujo. Recuerdo en mis viajes a París ver cómo la gente hacía cola en la tienda de Louis Vuitton para comprar bolsos y, no mucho tiempo después, vi unas imágenes de niños haciendo cola para que les dieran un arma para luchar en la guerra. De ahí, lo que hago es mezclar cosas que ocurren en el mundo donde vivimos y juntarlas, mezclarlas en una obra para que el espectador saque sus propias conclusiones.

–

La verdad es que todas tienen algo especial porque forman parte de mi recorrido y evolución. Poder disfrutar y estar presente en la semana de Art Basel en Miami ya cinco años seguidos es un orgullo y un sueño para mí. Tener un hueco en el mercado asiático también es importante, pero al final lo importante para mí es exportar mi obra a todo el mundo y ver cómo diferentes culturas y sociedades interpretan mi trabajo.

En este caso fue Hong Kong quien me eligió a mí. Tenía mi primer solo show en la semana de Art Basel Hong Kong y hacía tiempo que estaba investigando, quería dar el paso de utilizar mi persona como expresión para lanzar un mensaje donde yo era parte visual y física de la obra, así que comencé con elPerformance Art. En realidad es una evolución de Blindness, pero de una manera mucho más conceptual y minimalista, donde las luces en el suelo representan todas esas barreras que acaban formando muros, coartando la libertad del individuo. El Performance muestra cómo rompo todas esas barreras y poco a poco voy hacia la oscuridad pero, en este caso, la oscuridad representa la parte más profunda de uno mismo y la total libertad.

–

Miedo a no tener tiempo suficiente para expresar y compartir todo lo que tengo dentro de mí. Por eso vivo cada día como si fuera el último. Mi debilidad es coleccionar arte y objetos que me inspiran.

–

El arte es el lenguaje más antiguo y más puro para expresar lo que pensamos y sentimos. Para mí, es un compromiso que tengo, una misión como artista. Siempre he pensado que tengo una misión y una herramienta con la que puedo comunicar y llegar a muchos lugares con un mensaje que invite a la autoevaluación. Por eso hablo de lo que me rodea y de lo que está en mi día a día. Muchos artistas trabajaron esto en el pasado, cada uno con su visión y tocando los temas más punzantes de la época en que vivían. Yo muestro lo que hay en el mundo en el momento que estoy viviendo.

Los proyectos y las obras pueden generar ciertas energías, las cuales hay que reactivar. No se pueden quedar en un libro o en la memoria, y estar en el MACBA nos permitió a Montse y a mí reunir catorce proyectos que desarrollamos en nuestra carrera artística en los Estados Unidos y, en cierto modo, exteriorizarlas. Ha sido un placer observar a los visitantes de la exposición, ver que vivían una experiencia de modo visual y activo y que entendían el tema de ‘made in USA’. Fue una gran oportunidad para dar a conocer con mayor detalle y generar conexiones entre un proyecto y otro, y esto es muy positivo.

Food Cultura es un proyecto iniciado junto a Montse Guillén justo después de una exposición universal que llevamos a cabo en Hannover. Surge a raíz de varios proyectos y vivencias con los que exploramos la comida y sus múltiples implicaciones artísticas, sociales y económicas en todas las culturas. Se define la idea de crear una institución, una base de intercambio de ideas y acogida de artistas. El objetivo era crear una red de colaboración internacional dedicada a la comunicación, la investigación y la historia global de la comida, las costumbres, las experiencias culturales y el arte contemporáneo.
A pesar de que Food Cultura existe físicamente en un espacio muy pequeño en La Boquería de Barcelona, llamado Food Cultura Satélite Boquería, no es solo físico sino que es algo más. Surge entonces la Fundación Food Cultura, con un formato muy pequeño y humilde para poder realmente intercambiar ideas y sensaciones.

Brainfood es una reflexión sobre el ciclo, el crecimiento, el agua y, por supuesto, la alimentación. Expresamos a través de un vídeo de más de tres mil fotografías el proceso de la vida y la muerte, el eterno ciclo de la germinación y la inherente capacidad de reciclaje de una semilla, en este caso la Porotos Señorita (una variedad de judías chilenas). Con el vídeo, limitado a mil copias, buscamos recaudar fondos para la Fundación Food Cultura.

Al final y personalmente, lo que me interesa es salir de la monotonía y del día a día. Sobre todo, me centro en observar la cultura popular. A partir de esta observación y experiencia, puedo poner en marcha una serie de proyectos, los cuales requieren mucho tiempo y un equipo. Todos están relacionados con un mismo interés, el de trabajar con la comunidad en conexión con las escuelas de arte locales. Es importante apoyar e interaccionar con escuelas y otras entidades que tengan ganas de compartir.

Hoy día las escuelas de arte fabrican artistas. En aquellos momentos el arte surgía de la nada pero lo que ha cambiado, sobre todo, son los contextos. Actualmente existe una conciencia que antes no existía. Hay artistas que pueden reflejar en sus obras aspectos más críticos o irónicos. En el momento en el que empecé (años sesenta y setenta) el artista estaba interesado en ‘hacer arte por hacer arte’. En París hubo un gran momento para la pintura, para la abstracción, para el pop, etc.; un sistema más organizado y natural sobre la idea del arte. Luego entraron muchos otros, llegaron nuevas épocas y surgieron así nuevas propuestas.

Es una acumulación, un archivo, y una casa universal. Hay tantas maneras y modos, gustos y texturas que no tiene realmente nacionalidad. Es una simbiosis de todo: viajes y proyectos.